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在艺术里面，机可以愈，合难免启，创意是机和会的无知无觉无情无义无止无尽。
20世纪之前，西方音乐所用的都是谐和律。
谐和律不是十二个半音绝对均衡相等，而且每个半音音程大小不等，需要逐个音来具体对待。
从整体上来说，谐和律也有可能在不同的调性之间相对转换，二十四个调性还是能够勉强纳入五度循环的圈子。
由于谐和律在五度循环之中，所有大三度的质地不同，相对不稳的大三度搭在黑键上面，赋予这类调性明显的性格特征。
17世纪和18世纪的作曲家运用谐和律作曲，在今天的乐器上，我们很难听到当时作曲家对和声的感觉，失去的首先是调性色彩。
和今天钢琴统一A440音高（pitch）标准一样[10]，平均律是现代工业的产物，绝对的机械分割所达到的经济实惠和便利，更是对不同人性、不“完善”
个性的一刀切割。
绝对平衡之后，缺乏个性的牵强附会正是今天钢铁世界铮亮的表皮。
就像大工业机器挤压之下的人们，自以为方方正正的干净，却不知已被消磨洗刷得不再是人，最绝的在于：我们还为自己的“进步”
得意，我自己就是其中一分子。
记得小时候玩过弦乐，调音是家常便饭的必需，都凭耳朵感觉音高和音程关系，音乐拉到一半，感觉不对，随即停下调整，音程之间的感觉不是绝对标准，而是有机的比例。
当时从没觉得是一件特别的事情。
可是现多年不练不用，耳朵早已不是父母当时给我的遗传，所以常常音程关系不觉不明。
转眼再看年轻一辈更加可怜，连这点后知后觉都没有，两根耳机应该缝在脑袋瓜里，不期可以不食人间烟火，单靠数码音响灌肠为生，反正与外面物性世界无关，更与自然的音响振**（acoustic）没缘。
除了小部分有意识的音乐家和音乐爱好者会把键盘乐器调到传统的谐和律之外，今天大部分的键盘乐器基本都是标准化的平均律[11]，这里甚至包括有些音乐厅的演奏钢琴。
可见当今文明清洗感官之高明，在不可抗拒的威力之下，这是潜移默化的催眠。
在今天市场学的时代，美国施坦威首当其冲，“SteinwayArtist”
的绝招是强迫音乐家在音乐厅只用施坦威钢琴，无论现场还是录音，我们听到的大都是施坦威的声音，别说谐和律了，连钢琴也只有一种音响。
岂不知，好的乐器，不但每个都不相同，更是一个有生有命的动物。
随着时间和环境的影响，乐器因为使用者的关系，自会生出独特的音响个性。
可如今是电子琴千篇一律的音响环境，用者方便第一，光洁铮亮为最，今天的人对细致微末没有耐心。
一位朋友曾对我说，怀疑自己是否已被洗耳，好像钢琴不是CD里面施坦威的声音，感觉就会有点儿不对。
现代音乐家拉蒙特·扬（LaMonteYoung）是少数具有原创心态的音乐家之一。
他的《纯律钢琴曲》（TheWell-TunedPiano）[12]是特地为谐和律而作。
在LaMonteYoung谐和律的比率中，升G的音分比G还低，升C的音分比C还低。
可以说这是一种特别的协调，离绝对平衡律相去甚远，LaMonteYoung自有他的道理。
LaMonteYoung谐和律的音分比率
近千年来，西方音乐家力求寻找更多的调性色彩，在协调所有五度循环之中的具体音高、和声纯度和调性区别之间做了无数的努力。
从中世纪晚期单凭感觉的和声关系，到键盘上所有二十四个调性的尝试，巴赫的《谐和律键盘前奏曲与赋格》（WTC）是运用谐和律的一个奇观。
巴赫通过五度循环之中所有二十四个调性，尝试各种调性的不同色彩。
巴赫对调音颇感兴趣，因为他是对位大师，所以他对音程之间的关系感觉细微敏锐。
巴赫一直寻找相对平衡的调音方法，可以让他运用所有二十四个调性。
当时的调音技术已经相当发达，也确实曾经一度被称之为平均律，但那不是十二个音绝对的平分，而是键盘上面转调的可能。
巴赫在WTC运用所有二十四个大小调作曲，不是为了演示证明所有调性的平等一致，而是恰恰相反，发挥每个调性的特点，突出它们之间的区别，利用调性的局限创造奇特。
在不太和谐的升F大调，巴赫通过三个黑键的大三度，蜻蜓点水一般滑过不和谐音，给前奏曲一种明亮闪烁的气息。
相反，在C大调前奏曲里，调性相对和谐柔和圆润，巴赫就在主音和弦（tonictriad）上流连忘返。
据说巴赫当时所用的是德国管风琴家维尔克麦斯特（Aer）著名的WerckmeisterIII.调音法。
从这图表可以看出这个调音比率与平均律相近，没有一个音高的偏差超过12音分，其调音图表例如下：
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