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一家工作室的技师，指着她那些灰调中带着锈黄、暗紫、苔绿的复杂图像说：“这种调子最难出效果，稍有不慎就显得脏。
而且你要半透明叠加悬挂，对纸张的透光均匀度和韧性要求极高。
我们这里最好的纸和进口颜料，这个尺寸一张的成本……”
他报出的数字让卿竹阮心头一紧。
她咬牙订了样品，效果确实惊人，那霉斑在背光下仿佛一块古老的琥珀，内部封存着时间的絮语。
但预算迅速告急。
最让她崩溃的是“记忆容器”
——那些需要观众凑近窥看的暗盒。
最初的浪漫想象，在面临结构力学、光学设计和电路安全时碎了一地。
木工师傅看了她手绘的、充满曲线和倾斜角度的草图直摇头：“小姑娘，你这个想法是好，但这么小的盒子要内嵌灯光透镜，还要开稳固的窥孔，木板受力会变形，散热也是问题。
要么改结构，用更贵的多层复合板材，要么简化设计。”
她不想简化，那意味着妥协掉“窥探”
的私密感和发现感。
她开始自学简单的CAD画图，研究微型LED灯带和透镜组，甚至跑去旧货市场淘老式观片器的零件。
工作室角落里堆满了切割失败的木板、短路烧坏的电路板、以及效果总是不对的测试品。
手指被木刺扎破，被烙铁烫伤，眼睛因为长时间盯着微小元件而布满血丝。
同工作室的何璐看她焦头烂额，忍不住说：“卿卿，你这又是何必？很多效果用视频投影或者VR眼镜模拟一下，又安全又炫，评委还觉得你有技术整合能力。”
卿竹阮摇摇头，没说话。
她想要的，正是那种需要身体微微前倾、眼睛贴近孔洞、在幽暗与微弱光晕中主动“寻找”
的身体性体验，这是任何屏幕模拟无法替代的与记忆“相遇”
的仪式感。
而最消耗能量的，或许并非技术难题，而是那些无处不在的、来自学院“空气”
中的隐性规训和“善意”
建言。
布展方案第一次汇总讨论时，负责协调的青年教师吴老师（他是评审之一郑教授的门生）仔细看了她的展位效果图，沉吟道：“卿竹阮，你的作品情感浓度很高，细节也很丰富。
不过，在‘学院奖’这个层面，我们可能需要对‘记忆’这个主题进行更自觉的理论提纯。
比如，你关注的是几位老人的个体记忆，这很好，但如何将这种个体性，与集体记忆的建构机制、与城市权力空间生产对记忆的抹除和改写联系起来？我建议你在入口处，增加一个简短的文本导引，用一两句比较有理论张力的话，比如‘个体记忆如何抵抗历史叙事的覆盖？’或者‘档案的温暖，能否融化规划的冰冷？’这样，评委一进来就能立刻把握到你的问题意识和批判立场，作品的层次就出来了。”
她诺诺应下，心里却一阵抵触。
她当然思考过这些问题，阅读过相关理论，但她一直刻意避免在作品中给出这样直白甚至口号式的“结论”
。
她更相信通过声音、物质、观看体验本身，去潜移默化地唤起观众的类似思考。
直接点明，像在优美的音乐前加上一段生硬的解说词。
没过两天，偶然在食堂遇到那位以信息灵通著称的沈星。
他端着餐盘坐到卿竹阮对面，压低声音说：“卿卿，跟你透露个风向。
我听说这次外请的策展人李老师，特别关注艺术对当下现实议题的介入。
你做的虽然是老街区过去的故事，但如果能巧妙地把它和现在正热的‘城市更新中的社群归属感危机’、‘数字时代地方感的消逝’这些话题挂上钩，在作品陈述里多引用一点这方面的社会学论述，绝对能挠到痒处，让人感觉你的创作有现实关怀的锐度，不只是怀旧。”
甚至那位已经毕业、正在筹备个展的研三学长，也在微信上给她留言：“实物呈现是硬道理！
特别是‘学院奖’这种场合，那些老教授和收藏家，眼睛毒得很。
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